A impressão do cinema

Impressionismo francês atinge o mundo cinematográfico da década de 20 e molda novos conceitos sobre o real e o imaginário

Por Nayara Kobori

Com o fim da Primeira Guerra Mundial, o homem europeu perde a concepção dos valores racionais antes impostos pela sociedade. Há uma ruptura da perspectiva, e o mundo passa a ser encarado de modo subjetivo. Na França, um dos países mais arrasados pela guerra, surge o movimento Impressionismo do século XIX. Na pintura, essa corrente artística é conhecida pelo retrato do movimento de uma cena real em diferentes horas do dia, com o intuito de captar a luz. Mas, a técnica de pinceladas leves faz com que a cena objetiva torne-se subjetiva. No cinema, os impressionistas desejavam elevar as filmagens à categoria de arte, pois o mundo cinematográfico era apreciado apenas pela classe popular, enquanto a elite se voltava para o teatro e literatura.

“Eldorado” (1921)  de Marcel L'herbier. A dançarina Sibilla agoniza diante do filho doente. O contraste entre o claro e o escuro é evidenciado.

 Créditos: Google Imagens

Também chamado de cinema de vanguarda (avant garde, em francês), os diretores europeus daquela época ansiavam por competir com Hollywood – grande cidade cinematográfica localizada nos Estados Unidos, que é famosa até os dias atuais pela indústria de filmes. Os EUA era uma potência hegemônica da época, afinal, os norte-americanos controlavam o mundo tanto financeiramente (com os empréstimos para a reconstrução europeia) e socialmente (ditando valores estéticos, morais, e etc.). A inovação do cinema seria, então, um grande passo para a luta cultural entre Europa e EUA. Tiveram destaque o cineasta Abel Gance com seu filme épico "J’Accuse", e "A queda da casa de Usher", de Jean Epstein.

O cinema impressionista francês se caracterizava pelos planos subjetivos. Aquilo que era visto na cena era, na verdade, algo mascarado - uma realidade oculta por trás de uma realidade aparente. Um bom exemplo é o filme “Eldorado” (1921) de Marcel L'herbier, em que a protagonista, a dançarina Sibilla, aparece fora de foco na companhia das colegas, e se mostra entretida em seu trabalho, enquanto na verdade, está preocupada com o filho doente que a espera.

“A queda da casa de Usher”, (1928), de Jean Epstein.

Baseado no horripilante conto de Edgar Allan Poe.

Créditos: Google Imagens

Vale ressaltar que a década de 20 foi marcada por experimentações: a efervescência cultural era fruto de uma sociedade que procurava respostas que contrastavam com uma explicação racional. No Brasil, as influências impressionista chegaram com o novelista e poeta Blaise Cendrars (pseudônimo de Frédéric Louis Sauser). Cendrars afirmava que o cinema não era um entretenimento, mas sim, uma rica fonte de inspiração para o mundo.

A arte de impressionar

O nome Impressionismo é derivado da obra do pintor francês Claude Monet, “Impressão, nascer do Sol”, de 1827. Preocupados em retratar o movimento, os impressionistas tinham como finalidade mostrar a impressão das coisas e impressionar, (no sentido de causar espanto). No cinema, os impressionistas alcançaram com êxito seus objetivos. Contrastes entre o claro e o escuro eram frequentes nas filmagens, além das cenas horripilantes para época, como no filme “Eldorado”, que chama atenção o filho da protagonista Sibilla, que aparece agonizando em um quarto escuro, e clama pela mãe.

Assim como a maioria dos movimentos, o Impressionismo faz as artes (pintura, literatura, cinema, música, etc.) dialogarem entre si. Não basta apenas o olhar (pintura), ou com o som (música), ou com as imagens (cinema); a impressão só acontece quando todos os sentidos são despertados, mexendo com o psicológico humano, e lapidando valores de uma sociedade descrente pelos efeitos de uma Guerra Mundial.

Filmes impressionantes

• "A queda da casa de Usher”, (1928) dirigido por Jean Epstein, é baseado em um conto do escritor inglês Edgar Allan Poe. Conta a história de Lorde Roderick Usher, que após enterrar a esposa morta, fica convencido que ela está apenas adormecida.

• “Eldorado”, (1921) de Marcel L'herbier, conta a história da dançarina Sibilla, sedutora e enigmática, que sofre calada com a doença do filho, que está prestes a morrer. É interessante o modo como a protagonista é retratada: ela está fora de foco perante os outros personagens.

• “J'accuse!”, (1919) de Abel Gance. História de dois homens: um, o casado; o outro, o amante. Ambos se encontram nas trincheiras da Primeira Guerra para vivenciarem seus horrores.

Rio Animado

Por Felipe Santos Amaral

Dos mesmos criadores de "A Era do Gelo", chega aos cinemas o novo filme de Carlos Saldanha, "Rio" uma aventura divertida e cheia de cores sobre assumir riscos na vida.

Em entrevista coletiva,  Saldanha diz que há10 anos tem vontade de fazer um projeto sobre o Rio, contudo, não queria apenas ambientar o filme no Rio,  mas que o filme tivesse a vibração, as cores e a diversão dele.

Para contar a história, Saldanha conta com elenco quase todo Norte-Americano; Anne Hathaway e Jesse Eisenberg vivem Jade e Blue. Jade uma arara bem no estilo carioca, já Blue uma ave doméstica que adora o conforto e as regalias de seu cativeiro. Eles são reunidos no Brasil, já que Blue é o ultimo macho, o ornitólogo Túlio (Rodrigo Santoro) o leva para acasalar com Jade para tentarem salvar a espécie , mas ao decorrer da historia eles encontram problemas tendo ate mesmo que fugir de criminosos vendedores de aves raras. Durante a aventura eles atravessam locais como a Marque de Sapucaí, Santa Teresa, a Lapa, as praias e as favelas do Rio.

"Enquanto estávamos lá, na escuridão do estúdio gravando as vozes, tínhamos a promessa de que um dia viríamos ao Rio lançar o filme. Bem, aqui estamos", disse Anne Hathaway, que parecia bem mais magra e frágil ao vivo, com um sorriso nos lábios. Na véspera, a atriz de "O Diabo Veste Prada" tinha circulado no bairro de Santa Teresa para fazer compras.

A animação contou com vários profissionais de animação que viajaram para o Rio durante o carnaval . Isso justifica a riqueza de cores na cena da Marques de Sapucaí, cenário de uma das melhores cenas do filme. "Ainda não sei se conseguimos fazer justiça ao que é o carnaval do Rio, mas tentamos", brincou Saldanha. A falta de veracidade é abandonada nas praias. O diretor explica que o pudor americano fez com que ele aumentasse os biquínis brasileiros. "Vocês já foram às praias, sabem que não posso mostrar aquilo. Estou há 20 anos nos Estados Unidos, sei como são as coisas", afirmou.

Totalmente descontraído estava Jamie Foxx, que dá voz ao canário Nico, que em entrevista coletiva falou das dificuldades de dublar um personagem animado pela primeira vez.

Mas o filme não fica apenas na bela cidade do Rio, ele tem também o swing baiano de Carlinhos Brown que das 13 músicas presentes na trilha sonora do filme, sete são dele. Em coletiva, Brown agradeceu Sergio Mendes, produtor executivo musical do filme, por tê-lo convidado para fazer parte de um projeto tão encantador e declarou que essa não é uma vitória dele somente, mas da música baiana no cinema mundial. “Estou comemorando essa vitória com meus amigos músicos da Bahia”, declarou.

Durante o processo de criação das musicas (entre elas a música tema, "Favo de Mel") Carlinhos Brown teve dois períodos de quinze dias em Los Angeles, vivendo praticamente dentro do estúdio ao lado de Sergio Mendes, Will.i.am, Jamie Fox e Bebel Gilberto, que fazem personagens, além da participação musical no filme.

Desconhecidos ao publico local, os atores Anne Hathaway e Jesse Eisenberg visitam a favela, o Complexo do Alemão, recém-ocupada pela polícia para divulgar o longa. As crianças da favela recém-invadida foram convidadas para assistir a primeira sessão aberta ao publico do filme, que ganhou pré-estreia mundial no dia 22 de março no complexo de cinemas Lagoon, na Lagoa, na zona sul do Rio, e dia 8 de abril a estréia nos cinemas.

O filme é cheio de cores, boa música e o verdadeiro calor brasileiro, um ótimo filme para rir bastante e se emocionar com a aventura pela bela cidade do Rio de Janeiro com essas duas Araras divertidas.

O dono de um império

Don Corleone é um dos personagens mais marcantes da história do cinema

Por Isabela Zamboni

Ele é um personagem muito famoso e parodiado do cinema: nascido em 1891 e interpretado por Marlon Brando e Robert de Niro, esse chefe da máfia é o personagem principal da trilogia de Mario Puzo, "O Poderoso Chefão". Estamos falando de ninguém menos do que Antonio Vito Andolini, mais conhecido como Don Corleone.

A estampa do Poderoso Chefão estampa camisetas, bottons, 
pôsteres e acessórios de mais diversos tipos

Biografia

Don Vito Corleone é um ambicioso imigrante que parte da Sicília, na Itália, rumo aos Estados Unidos, e que constrói um império da máfia. Ama sua família mais do que tudo e não quer nenhum filho se envolvendo nos perigosos negócios mafiosos. No entanto, seu filho caçula Michael Corleone (interpretado por Al Pacino) toma o lugar do pai após a sua morte. Seus outros filhos são Sonny, Frederico e Constanza. Tem também um filho adotivo, chamado Tom Hagen, que é o conselheiro da família.

Origens

O personagem Vito Corleone foi baseado em integrantes reais da máfia, como Joseph Bonanno, Frank Costello e Vito Genovese. Em 1901, seu pai, Antonio Andolini, foi morto por um chefe da máfia na Sicília conhecido como Don Francesco Ciccio, por ter se recusado a pagar uma dívida, o que foi considerado um insulto por Don. O irmão mais velho de Vito, Paolo Andolini, jurou vingança e desapareceu. Vito foi o único homem que acompanhou sua mãe no funeral de seu pai. Porém, durante o funeral, Paolo apareceu para assistir e foi assassinado. Passado alguns anos, os capangas de Ciccio foram até a casa dos Andolini para matar Vito. E não parou por aí: a mãe de Vito também foi encurralada pelo chefe da máfia.

O ator Marlon Brando deu vida ao personagem 
de Mario Puzo de forma única

Ela foi atrás de Don Ciccio para tirar satisfações e implorou pela vida do filho: ao fazer isso, é morta com um tiro. Depois disso, Vito consegue fugir e entrar num navio com imigrantes para os Estados Unidos. Como não sabia falar inglês, foi renomeado como Vito Corleone. Até então, Don Corleone era interpretado por Robert de Niro, que foi um dos seus primeiros papeis no cinema. Na sua versão mais velha, o personagem é vivido por Marlon Brando, que fez uma atuação fantástica.

Depois de se estabelecer em Nova Iorque, Corleone formou sua família e começou a trabalhar em um armazém, mas perdeu o emprego. Logo após, começou a se envolver com a máfia e pequenos crimes. A principal característica dos mafiosos é fazer favores em troca de lealdade: e isso Corleone fazia como ninguém.

Depois de tornar-se o líder de um império, Vito morreu devido a um ataque cardíaco em 1955, enquanto brincava com seu neto Anthony Corleone.

Características

Vito Corleone era um homem calmo e tranquilo. Nunca interrompia a fala de ninguém, pois pensava que as pessoas devem escutar, para ouvir o que os outros tem a dizer, e nunca mudava seu tom de voz, pois em sua concepção, isso mostrava o quanto as pessoas estavam nervosas e perderam a razão.

Suas últimas palavras antes de morrer foram "A vida é tão bonita". Seu funeral foi enorme e bonito, e todos os seus companheiros de Nova Iorque compareceram.

Frases famosas

Um fato interessante da trilogia do "Poderoso Chefão" são as frases que ficaram conhecidas e viraram clássicas do cinema. Por exemplo, "I'm gonna make him an offer he can't refuse" (Eu farei uma oferta que ele não vai recusar). Confira a cena:

Outra conhecida é "It's an old habit. I spent my whole life trying not to be careless. Women and children can afford to be careless, but not men" (É um hábito antigo. Eu passei minha vida inteira tentando não ser descuidado. Mulheres e crianças podem ser descuidadas, mas os homens não).

Don Corleone com certeza é um ícone na história do cinema e da literatura. Assista ao trailer do primeiro filme da trilogia "Poderoso Chefão":

A Velha a Fiar

Por Karina Goto 

A Velha a Fiar é um curta brasileiro produzido em 1964 e dirigido por Humberto Mauro. Rodado em preto e branco, o curta-metragem é considerado o pioneiro dos videoclipes no Brasil e um dos primeiros do mundo. A trilha é uma antiga canção popular do interior cantada pelo Trio Irakitan e composta por Aldo Taranto. Na falta de uma atriz para interpretar o papel da velha, o diretor utilizou-se do ator Mateus Colaço.

Confira a canção:

Estava a velha no seu lugar

Veio a mosca lhe fazer mal

A mosca na velha e a velha a fiar

Estava a mosca no seu lugar

Veio a aranha lhe fazer mal

A aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava a aranha no seu lugar

Veio o rato lhe fazer mal

O rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava o rato no seu lugar

Veio o gato lhe fazer mal

O gato no rato, o rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava o gato no seu lugar

Veio o cachorro lhe fazer mal

O cachorro no gato, o gato no rato, o rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava o cachorro no seu lugar

Veio o pau lhe fazer mal

O pau no cachorro, o cachorro no gato, o gato no rato, o rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava o pau no seu lugar

Veio o fogo lhe fazer mal

O fogo no pau, o pau no cachorro, o cachorro no gato, o gato no rato, o rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava o fogo no seu lugar

Veio a água lhe fazer mal

A água no fogo, o fogo no pau, o pau no cachorro, o cachorro no gato, o gato no rato, o rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava a água no seu lugar

Veio o boi lhe fazer mal

O boi na água, a água no fogo, o fogo no pau, o pau no cachorro, o cachorro no gato, o gato no rato, o rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava o boi no seu lugar

Veio o homem lhe fazer mal

O homem no boi, o boi na água, a água no fogo, o fogo no pau, o pau no cachorro, o cachorro no gato, o gato no rato, o rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava o homem no seu lugar

Veio a mulher lhe fazer mal

A mulher no homem, o homem no boi, o boi na água, a água no fogo, o fogo no pau, o pau no cachorro, o cachorro no gato, o gato no rato, o rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar

Estava a mulher no seu lugar

Veio a morte lhe fazer mal

A morte na mulher, a mulher no homem, o homem no boi, o boi na água, a água no fogo, o fogo no pau, o pau no cachorro, o cachorro no gato, o gato no rato, o rato na aranha, a aranha na mosca, a mosca na velha e a velha a fiar!

A TV Cultura apresentou uma versão da música no programa infantil Rá-Tim-Bum, popularizando-a.

O Belo Lado Negro da Vida

Em seu novo filme “Biutiful”, o mexicano Alejandro González Iñarritu cria um conto sobre o fim da vida e a necessidade do viver

 Por Lucas Loconte

“Biutiful” (Biutiful, Espanha/México, 2010) é um filme estranho de se resenhar.

Em primeiro lugar, não há uma sinopse ao certo – é um filme sobre um homem, Uxbal, pai devoto, amante atormentado, filho iludido, comerciante do mercado informal, consumidor de produtos piratas e espiritualmente sensitivo. É um filme sobre um homem doente e que revê a vida antes de morrer. É um filme sobre o relacionamento entre pai e filhos, entre homem e mulher. É um filme sobre o ser homem. É um filme sobre a consciência humana. É um filme de fantasmas, de assombrações. Isto é “Biutiful”, indicado a dois Oscars e vencedor do festival de Cannes e do prêmio Goya de melhor ator para Javier Bardem.

Em segundo lugar, é um filme que trata sobre a decadência da vida, o lado podre das pessoas e de sua moral. “Biutiful” é um filme pesado, mas incrivelmente belo, que desconforta e ao mesmo tempo parece querer traçar um painel belo do que é a vida, de como devemos viver, trazendo um sentimento de conforto.

Nascido a partir da necessidade de criar uma história linear após o fantástico “Babel”, Alejandro González Iñarritu se desfez da parceria com o roteirista Guillermo Arriaga e criou sozinho a história e o mundo de “Biutiful”. Iñarritu cria um conto sobre o perdão e o perdoar, sobre a vida e o viver, sobre o amor e o amar. E, sem dúvida, é um dos melhores filmes lançados no ano passado.

Filmado na Espanha, o filme mostra o lado feio de Barcelona – são os imigrantes ilegais africanos e chineses, que possuem um importante papel na história, a venda de produtos piratas, a melancolia e a decadência dos bairros mais pobres e a decadência moral das pessoas também. Uxbal, interpretado com muita classe e competência por Javier Bardem (que, na opinião deste humilde repórter, merecia muito mais o Oscar deste ano do que Colin Firth em função da profundidade com que ele desempenhou este papel, sem desmerecer o empenho e a eficiência de Firth ao protagonizar “O Discurso do Rei”), tem câncer terminal e precisa do serviço público de saúde; a cena em que ele vai fazer um exame de sangue e é ele quem realiza todo o procedimento em função da falta de preparo da enfermeira chega a ser cômica se não houvesse um pano real de fundo.

A fotografia desfocada e os cenários sempre escuros e com cores mortas parece retratar perfeitamente o tom de decadência necessário para a história.

O roteiro, que trata de problemas reais e quer discutir o valor da vida, se torna também original ao tratar de muitos temas, como o homossexualismo entre chineses e a imigração ilegal africana, e as histórias que ocorrem ao redor de Uxbal, ao final, se interligam e criam mais sentido.

A direção de Iñarritu mais uma vez se revela fantástica - e ousada, também, por que não. Por exemplo, quando os fantasmas aparecem, o espectador não tem certeza ao certo de que viu algo – apenas de que uma coisa estranha está acontecendo (e sim, isso torna assustador alguns momentos).

Visualmente falando, Iñarritu também é genial: em determinado momento, Uxbal vai comprar um aquecedor para um grupo de chineses ilegais; ao entrar na loja, uma televisão exibe uma cena de baleias mortas numa praia. Quando o grupo de imigrantes morre em função de um acidente (e esse momento é um dos mais dramáticos do filme), os corpos são jogados ao mar e, instantes depois, eles aparecem da mesma maneira que as baleias na televisão – e só isso prova a acuidade visual com que o diretor realiza o filme. Além do mais, a lentidão característica do diretor está presente em toda a fita – a abertura, uma das mais poéticas do cinema moderna, é exaustiva para aqueles não acostumados ao cinema mais “arte”.

A trilha sonora melancólica de Gustavo Santaolalla, ao lado da seleção musical feita pela dupla, se encaixa perfeitamente em todos os momentos do longa. Assim como em “Babel”, que a música exerce um papel fundamental numa sequência com uma personagem surda-muda, a música aqui também parece guiar a linha narrativa da história e se encaixar no sentimento e no pensamento dos personagens.

Sobre o elenco, só pode-se dizer que todos os atores são fantásticos – e, Javier Bardem e Maricel Álvarez, que faz a ex-mulher dele, são um destaque a parte. Ele, por trazer uma expressão de melancolia e uma sensação de arrependimento profundo em todas as suas cenas, criando um personagem completo e que é, ao mesmo tempo, uma incógnita, revelando aos poucos a sua personalidade ao longo do filme; ela, por criar uma personagem espontânea e visivelmente doente, com uma personalidade forte e vibrante, mas ao mesmo tempo insegura de como seguir suas relações e das suas ações.

Enfim, “Biutiful” é um filme que trata sobre o fim da vida, e mostra como é importante enterrarmos os nossos fantasmas do passado, resolvermos nossas pendências e analisarmos as nossas ações para não nos arrependermos no momento em que a morte se aproxima.

“Biutiful” é um filme, como diz um trecho do texto disponibilizado para a imprensa, sobre um: “(...) Pai devoto. Amante atormentado. Filho iludido. Comerciante do Mercado informal. Ele vê fantasmas. Espiritualmente sensitivo. Consumidor de produtos piratas. Consciência pesada. Um sobrevivente urbano. Um homem sentindo o perigo iminente da morte. Que tenta reconciliar com seu amor, mas falha. Que tem vontade de sempre fazer a coisa certa, mas tropeça. Cujo coração está quebrado, seduzido, esvaziado... Mas preenchido com algo que vale mais que o desejo. Ele tem sangue em suas mãos. Um peso em sua alma. Urgência em conseguir respirar. Ele pode perder tudo de repente... E em uma espécie de meia-noite encontra tudo que precisa oferecer. Às vezes nossas vidas são assim: quebradas, avassaladoras, elétricas, mas ainda assim... Muito bonitas”.

Sim, isto tudo é a vida. E, ao mesmo tempo, é muito mais.

Observação: o estranho título (“Biutiful”) faz referência à palavra beautiful, “belo”, em inglês. Em uma determinada passagem do filme, Uxbal, ajudando a sua filha a fazer a lição de casa, precisa escrever a palavra “belo” em inglês, e ele a escreve assim. Ao longo da decadência do pai em função da doença e dos acontecimentos da história, as duas crianças e o pai se vêem ligadas a esta palavra do ponto de vista emocional, revelando o verdadeiro sentido da vida e de sentimentos como o amor.

Degustações cinematográficas

Temática do vinho explora belas paisagens francesas

Por Laís Semis

Um quadro de Monet é como se parece a paisagem a que somos apresentados logo de cara em “Um Ano Bom” (2006), estaticamente perfeita e irresistível. Max Skinner, entre fingir que fuma um charuto, escolher vinhos e roubar no xadrez, passa suas férias em companhia de seu tio Henry, um viniticultor do sul da França.

“Muitas colheitas depois”, Max (Russel Crowe) é operador da bolsa de valores, bem sucedido e confiante, prestigiado por seus colegas de trabalho e admirado pelas mulheres que o cercam, ele é o estereótipo do cara que tem a vida que muitos almejam. Quando recebe a notícia da morte do tio e, como parente mais próximo, herda tudo o que é de Henry (Albert Finney).

Obrigado a viajar para a França, deixar o emprego por alguns dias, para cuidar da venda da propriedade do tio falecido, Max é também obrigado a conviver com as memórias do seu passado, de uma infância envolvida por vinhedo. Assim que chega lá, ele é impassível com o que está a sua frente. Mas, os lugares e as pessoas guardam lembranças de uma vida de férias de verão.

Entrando em contato direto com tais recordações, a herança, de “uma casa velha, o vinhedo e as uvas e tudo” passa enfim a ganhar um novo significado para Max. Entre sua infância e o homem adulto, cabem lembranças e comparações feitas pelo próprio personagem. As questões de quem ele era e quem ele se tornou o afligem a certa alturam, mesmo alguns traços de sua personalidade já fossem questionáveis quando criança.

Rodeado pela modernidade, aos poucos, a personagem de Crowe (“O Gladiador”, “Mente Brilhante”, “Cinderellaman”), vai se libertando da dinâmica vida das grandes cidades e redescobrindo o que o tempo cobriu de poeira e compreendendo o significado da vinícula para as pessoas que estão ligadas à ela.

O LIVRO

Se, por um lado, o diretor Ridley Scott não conseguiu arrancar tanta profundidade e originalidade desta história e personagens, como de suas outras produções “Thelma & Louise”, “Hannibal” ou “O Gladiador” (no qual também trabalhou com Russel Crowe e levou o Oscar de melhor diretor), ele conseguiu dar um ar extremamente atrativo à uma história batida e, assim como a propriedade herdada seduziu Max Skinner, espera-se que o clima consiga seduzir os espectadores. Seja pela belíssima fotografia, além de uma trilha sonora leve e encantadora, em inglês e francês (de quebra, no encerramento do filme temos a versão francesa da canção “Biquini de Bolinha Amarelinha”) ou pelo traje de uma charmosa história de romance e passado.

O longa é baseado no livro de mesmo nome, de Peter Mayle que viveu uma história parecida, ao abandonar o mercado publicitário e se aventurar pela França. Da mesma forma que Mayle, o diretor Scott também trabalhou com publicidade e divide a mesma paixão pelo Sul da França. Os dois se conheceram na década de 70 e se tornaram amigos.

A história que o filme apresenta, porém, é diferente daquela contada pelo livro. No livro, a vinícula aparece a Max como uma oportunidade de mudança, visto que ele é um mero corretor da bolsa, enquanto no longa, por ser um chefão, a propriedade é apenas uma herança que pode lhe render mais dinheiro e que, a partir de determinado momento, muda completamente o foco de sua vida.

Mayle acrescentando o conhecimento sobre vinhos adquirido como publicitário de uma firma do ramo ao tempo que morou em uma casinha em Provence, descreve uma ficção que nas telas se mostra degustatória.

Cinema Paradiso 23 03 2011

Oi, pra você que curte cinema e está interessado em saber o que rolou no primeiro Programa Cinema Paradiso de 2011.

Você poderá acompanhar o nosso programa não só pela Rádio Unesp Virtual agora, como também pelo nosso blog!

Ouça aqui o áudio do programa do dia 23 de março de 2011.

Cinema Paradiso 23 03 2011 by user3753207

Em Cartaz

Em Cartaz

Saiba mais sobre os filmes que estão em cartaz neste mês de abril

Por Isabela Frushio

"Esposa de Mentirinha"

Danny, um cirurgião plástico, interpretado por Adam Sandler, é um solteiro convicto que finge ser casado para atrair as mulheres. Katherine (Jennifer Aniston) é sua assistente divorciada, que se passa por sua ex-esposa para encobrir uma de suas mentiras e conquistar uma moça bem mais nova do que ele. Os três da moça e os filhos de Katharine partem para o Havaí, em uma viagem que mudará tudo.

A história não é totalmente inédita, uma peça de teatro francesa, 'Flor de cactos', de Pierre Barillet e Jean-Pierre Grédy retratou algo parecido. Ela foi inicialmente apresentada em seu país de origem e o sucesso foi tão grande que foi reproduzida na Broadway. A partir desta peça foi lançado “Flor de Cactus”, protagonizado por Walter Matthau, Ingrid Bergman e Goldie Hawn, que acabou inspirando “Esposa de Mentirinha” (“Just go with It”).

                                                                                  

Os atores Bailee Madison, de 'Entre irmãos' e Griffin Gluck interpretam Maggie e Michael, filhos de Aniston, e são os responsáveis por protagonizar cenas divertidíssimas, como a incorporação de sotaques feitas pela garota. Espertos e manipuladores fazem de tudo para conseguirem o que querem.

Dennis Dugan dirige o longa e é amigo de Sandler há mais de vinte anos, trabalharam juntos em “O paizão”, “Unidos pelo golfe”, “Zohan”. A comédia romântica não é muito diferente de outras, contudo, a familiaridade dos profissionais parece ter feito com que ela se passe de forma natural.

Sem Limites

      

Eddie é um escritor e há anos sofre de um distúrbio de atenção. Ele encontra um antigo amigo que lhe apresenta uma fórmula misteriosa que transforma sua vida. Ele adquire habilidade de ler, fazer cálculos e aprender idiomas com facilidade e torna-se um dos poderosos de Wall Streett. Mas nem tudo sai como planejado, Eddie passa a ser alvo de desconfiança e perseguido para que revele seu segredo.

O escritor Eddie é interpretado por Bradley Cooper (“Esquadrão Classe A”), o ator iniciou sua carreira fazendo uma ponta no seriado “Sex and the City”. Mas ele admite que não pretende voltar a trabalhar em TV, “sou um nômade, gosto de viajar, começar coisas, terminar e começar outra de novo. E na TV não tem fim”, declarou.

Seu último filme foi a comédia “Se beber, não case”, recorde de bilheteria e que tem continuação prevista para estrear no Brasil no fim do ano.

                                                                                  

Gnomeu e Julieta

A animação é uma adaptação do sucesso “Romeu e Julieta”, de Shakespeare. Dois gnomos de jardim se apaixonam, mas o desafeto das famílias os impede de ficar juntos.

Fazer adaptações de outras histórias é sempre arriscado, pois o público espera que seja tão bom quanto o original. É assim com “Gnomeu e Julieta”. Kelly Asbury, que dirigiu “Sherek 2” e “Corcel Indomável” consegue despertar a atenção de crianças e adultos.

O longa é recheado de humor e a trilha sonora é composta por músicas de Elton John, um dos produtores, regravações como “Don’t Go Breaking My Heart”, “Crocodile Rock” e “Your Song” são mescladas com algumas composições inéditas  as e que se encaixam perfeitamente a história.

A dublagem do filme original também é uma atração a parte, Emily Blunt, James McAvoy, Michael Cane, Maggie Smith e Ozzy Osbourne , porém, há poucas cópias no circuito dos filmes. A versão brasileira conta com dublagens de Vanessa Giácomo, Daniel Oliveira e Ingrid Guimarães como protagonistas do divertido longa.

Animais Unidos Jamais Serão Unidos

O longa retrata a procura por água por animais que vivem em uma região na África. A água foi represada por um empresário e com o aquecimento global, os animais sofrem ainda mais com a estiagem.

O filme é uma produção alemã e, apesar de ser uma temática que agrada a crianças, “Animais unidos jamais serão vencidos” não traz nada de inovador. Segue uma linha já traçada por outras animações como “Madagascar” e “A era do gelo”,mas sem surpreender o espectador.

Rango

Rango é um camaleão criado como animal de estimação. Em um momento da vida ele começa a se perguntar quais são seus objetivos, então, ele viaja para Dirt, uma cidade do Velho Oeste e encontra moradores que precisam de um xerife para maior segurança.

A animação tem como estrela principal Rango, dublado por Johnny Deep e também conta com os atores Isla Fisher, da doce comédia “Três vezes Amor” e do filme “Delírios do Consumo”; Abigail Breslin, a inesquecível protagonista de “Pequena Miss Sunshine”, entre outros.

A trilha sonora é composta por canções de Los Lobos (“Rango Theme Song”), que é a música principal do longa, Los Lobos em parceria com Arturo Sandroval (“Walk Don't Rango”) e Hans Zimmer  “(The Sunset Shot”). 

Invasão do Mundo

Uma batalha entre um grupo de fuzileiros com a missão de proteger a população e ETs é travada em Los Angeles. Durante o fim de semana de estréia (18 de março), a Sony Pictures contabilizou recorde de bilheteria.

Contudo, o crítico Rubens Ewald Filho considerou o filme ruim, “[…] não passa de uma patrioteira propaganda dos norte-americanos, louvando sua coragem, bravura em qualquer circunstância...”, e com efeitos especiais que, na película normal, não fazem diferença para o espectador.

As Mães de Chico Xavier

O filme narra a história de três mulheres: Ruth é mãe de Raul que envolve-se com drogas; Elisa dedica-se inteiramente ao filho como uma forma de tentar salvar o casamento; Lara descobre uma gravidez não planejada e pretende fazer um aborto.

As três mulheres têm contato com Chico e buscam uma forma de solucionar seus problemas, em certa altura da trama, as histórias se entrelaçam. 

Da arte manual ao 3D

A evolução dos desenhos animados no cinema

Por Karina Goto

Os efeitos da animação têm origem nos tempos longínquos da Idade da Pedra. Pinturas rupestres em certas posições tinham a finalidade de capturar movimentos. Por apresentarem caráter narrativo, tais imagens são consideradas o princípio do cinema.

“Humorous phases of funny faces” é considerado o início dos desenhos animados e foi criado em 1906 pelo produtor inglês James Stuart Blackton. Constitui-se de um curta-metragem com a utilização das técnicas básica do stop-motion e que causou um estímulo à criação de filmes da mesma vertente. Blackton é conhecido como o primeiro realizador bem sucedido de animações.

Em 1908, surge o primeiro desenho produzido atráves de um projetor moderno e totalmente em animação, “Fastasmagorie”, do francês Émile Cohl. A parceria entre esse diretor e Winsor McCay, cartunista americano, deu origem a adaptações de seus quadrinhos “Little Nemo in Slumberland”, em 1911, e “Gertie, the dinosaur”, em 1914.

Disney

Nos meados da década de 1910 ocorreu o surgimento dos estúdios de animação, que produziam filmes de maneira eficiente e de custo mais baixo. Surgiu, em 1914, uma nova ferramenta para a animação: o desenho sobre folhas de acetato.

O primeiro personagem de desenho animado apareceu em 1919: o “Gato Felix”, criado por Pat Sullivan e Otto Messmer. O principal representante da Disney, Mickey Mouse, aparece no curta “Steamboat Willie”, de 1928, primeiro animação sonorizada. Betty Boop, criada por Max Fleisher na década de 1930 introduz a personagem feminina nos desenhos animados.

Técnica de três cores

“Flores e árvores”, de 1932, da Disney, inaugurou a técnica de três cores (azul, verde e vermelho) em Technicolor que tornava possível a criação de desenhos coloridos e recebeu o primeiro Oscar de melhor desenho animado. Já em 1937, ocorre a estreia de “Branca de Neve e os sete anões”, o primeiro longa-metragem de animação, com oitenta e três minutos e que se tornou uma referência no quesito de composição do filme animado.

A dupla de gato e rato que se perseguem incansavelmente, “Tom e Jerry”, foi criada por Willian Hanna e Joseph Barbera no ano de 1940. Era a atração mais famosa do Estúdio MGM. Em 1941, Pernalonga, personagem da Warner Bros, ascendeu à fama.

“A Dama e o Vagabundo”, em meados da década de 1950, foi o primeiro longa-metragem de animação a fazer o uso do cinemascope, sistema de tela larga. Outras produções do estúdio Disney são “A Bela Adormecida” (1959), “Mogli - o menino lobo” (1967) e os “Aristogatas” (1970).

Computadores digitais são inventados na década de 1960. Devido a isso, manifestaram-se avanços na computação gráfica nos anos 70 com o uso de técnicas 2D e 3D, principalmente nos Estados Unidos.

A Pixar Animation Studio foi criada nos anos 80 como uma divisão da Lucasfilm. Já em 1986, Steve Jobs (cofundador da Apple), comprou o estúdio e lançou “Luxo Jr.”, sendo o primeiro curta produzido inteiramente em computador a fazer sucesso.  “Tin Toy”, de 1988, outro produto do estúdio, foi o primeiro filme animado por computador a ganhar um Oscar de melhor curta animado. O desenho serviu de inspiração para “Toy Story”.

Os Clássicos Retornam

"Uma Cilada para Roger Rabbit"

Clássicos da Disney voltam na década de 80 com “O cão e a raposa”(1981) e “A pequena sereia” (1989). Em 1988, com uma parceria entre o estúdio e Steven Spielberg, estreou “Uma cilada para Roger Rabbit”, com a atuação de personagens reais e virtuais. A computação gráfica esteve presente nos filmes dos anos 90, como “A Bela e a Fera” (1991) e “Aladdin” (1992).

Estréia “O estranho mundo de Jack”, de 1993, primeiro longa de animação stop-motion, dirigido por Henry Selick e produzido por Tim Burton.

Em 1991, a Pixar assinou um contrato com a Disney e no ano de 1995 lançaram “Toy Story”, o primeiro longa-metragem inteiramente feito em computação gráfica e em 3D. Em seguida vieram: “Vida de inseto” (1998), “Toy Story 2” (1999), “Monstros S/A” (2001), “Procurando Nemo” (2003), “Os Incríveis” (2004), “Carros” (2006), “Ratatouille” (2007), “WALL-E” (2008), “Up – Altas Aventuras” (2009) e “Toy Story 3” (2010).

Já a Dreaworks Animation lança os filmes computadorizados: "FormiguinhaZ" (1998), "Shrek" (2001), "Shrek 2" (2004), "O Espanta Tubarões" (2004), "Madagascar” (2005), "Os Sem-Floresta" (2006), "Por água abaixo" (2006), "Shrek Terceiro" (2007), "Bee Movie - A história de uma Abelha" (2007), "Kung Fu Panda" (2008), "Madagascar 2" (2008), "Monstros vs. Aliens" (2009), "Como treinar seu dragão" (2010), "Shrek para sempre" (2010) e "Megamente" (2010).

Shrek

Nos anos 2000 é criada uma nova categoria para o Oscar: longas-metragens animados digitalmente. O primeiro vencedor é “Shrek”, em 2001. Nesse mesmo ano é concebido “Final Fantasy”, os atores reais dão lugar aos personagens animados.

Já a companhia Blue Sky, filiada a 20th Century Fox, produziu: “A era do gelo” (2002), “Robôs” (2005), “A era do gelo 2” (2006), “Horton e o mundo dos quem” (2008) e “A era do gelo 3” (2009).

A tendência dos filmes atuais é a plena ou quase total utilização da computação gráfica e seus inúmeros recursos, com o abandono gradual do 2D e de técnicas tradicionais. As expressões faciais dos personagens tendem a ser cada vez mais realistas e as animações estão mais elaboradas artisticamente e criativamente. Os filmes animados agora ocupam um lugar de destaque em um gênero que está em crescente expansão e dinamismo.

A expressão de uma época

Expressionismo alemão: vertente que mudou pra sempre a história do cinema

Por Isabela Zamboni

O cinema expressionista alemão pode ser definido como: ligação com o gótico, efeitos dramáticos de luz e sombra e vilões com poderes sobrenaturais. Com essas características marcantes, essa vertente do cinema derivou da corrente expressionista e foi um marco para a história das artes cinematográficas.

Histórico

A Alemanha começou a apoiar a indústria cinematográfica entre os anos de 1919-1926.  Os alemães precisavam produzir filmes de guerra para manter a moral da população e dar respostas à ofensiva cinematográfica mundial. A guerra era impopular entre muitos alemães e as tendências rebeldes aumentaram desde o sucesso da Revolução Russa de 1917.  Com este propósito, surgiu na Alemanha a UFA (Universum Film Aktiengesellchaft),companhia que passou a centralizar a produção, distribuição e exibição de filmes no país. Em setembro de 1919, “Madame Dubarry”, de Ernest Lubitsch, uma história sobre a Revolução Francesa, inaugurava o magnífico Cine Palatz da UFA em Berlim. Este filme contribuiu para colocar o país de volta ao mercado cinematográfico mundial.  

Corrente expressionista

Como movimento de vanguarda, o expressionismo havia sido importante primeiro na pintura e foi adotado também no teatro e logo na literatura e arquitetura. O estilo expressionista é uma linguagem expressiva, com tendência à abstração, valorizando a arte e os sentimentos mais profundos, se opondo à racionalidade. O movimento pode ser descrito como a arte pura dos sentimentos. No cinema, as formas estão distorcidas e exageradas, de forma pouco realista. Os atores, em geral, usam muita maquiagem e se movem de forma lenta. Os personagens não existem simplesmente dentro de um cenário, mas constituem elementos visuais no interior do cenário.

Filmes importantes

Os filmes mais conhecidos que marcam esse movimento foram do gênero terror. Em 1920, surge "O Gabinete do Dr. Caligari", filme que foi aclamado por todos. "O Gabinete do Doutor Caligari", foi como uma pintura expressionista em movimento. O longa depende muito da direção, e a estilização expressionista funciona para transmitir o ponto de vista distorcido de um louco.

O Gabinete do Dr. Caligari

"Caligari" é uma história recorrente na cultura alemã. Trata de rivalidades, figuras paternas muito poderosas, mães ausentes, mulheres frágeis e objetos de desejos inalcançáveis. O filme está disponível na internet. Veja:

Mais tarde, quando o expressionismo já era mais aceito pelo público, os cineastas pararam de se basear no ponto de vista de personagens perturbadas. O expressionismo começou a funcionar como histórias fantásticas e de terror, como por exemplo os filmes "Nosferatu" e "O Gabinete das Figuras de Cera".

Fim do movimento expressionista

O fim do movimento foi em 1927, com os grandes filmes "Fausto" e "Metrópolis". Esses filmes foram caros para produzir, deixando o cinema em dificuldades financeiras. Quase todos os diretores alemães abandonaram tudo e foram tentar fazer sucesso em Hollywood, deixando para trás o cinema expressionista.

Mesmo que tenha se extinguido, uma certa tendência “expressionista” se manteve em muitos dos filmes alemães do final dos anos 20, e incluindo os filmes dos anos 30 como "O Vampiro de Dusseldorf" e "O Testamento do Dr. Mabuse".

Vampiro de Dusseldorf

“Nosferatu é um clássico. É a origem de todos os filmes de vampiros. Apesar dos ‘efeitos especiais’ serem quase cômicos hoje em dia, é um vampiro muito mais ‘real’ o que os que a gente vê em ‘Crepúsculo’”, diz Mariana Thomaz, estudante de jornalismo e espectadora de filmes do gênero.

Ela também comenta sobre os principais aspectos dos filmes alemães. "O que eu mais gosto nos filmes é como eles conseguiam expressar o sentimento de uma época, no caso, a guerra, as mortes e a tragédia. Os diretores criam um movimento de fuga, que são as imagens fantasiosas, o enredo fantástico, mas, ao mesmo tempo, evidenciam a realidade", diz.

O cinema hollywoodiano também mostrou tendências dessa vanguarda, como o longa "O Filho de Frankenstein", de 1933.  Ainda que o movimento alemão durasse somente 7 anos, o expressionismo nunca desapareceu como tendência estilística cinematográfica. O aclamado diretor Alfred Hitchcock utilizou em seus filmes vários aspectos da vertente expressionista. Mariana também cita outros diretores: "Outro ponto, é como essa corrente conseguiu influenciar outros diretores, como Ed Wood, José Mojica Marins (Zé do Caixão) e até Tim Burton", conta.

127 Horas

Retrado do drama real de um alpinista traz impecável interpretação de James Franco

Por Lucas de Oliveira Loconte

Danny Boyle é um diretor ousado em seus projetos: depois de conquistar o mundo com “Trainspotting – Sem Limites” (1996) e surpreender a todos com o magnífico “Quem Quer Ser um Milionário?” (2008) (e abocanhar oito das dez indicações ao Oscar por esse filme), o diretor inglês de 54 anos volta às telas com mais uma obra-prima: “127 Horas” (“127 Hours”, EUA/Inglaterra/França, 2010).

O filme conta a história real do alpinista Aron Ralston que, em 26 de abril de 2003, partiu para uma caminhada exploratória pelo Blue John Canyon, no estado de Utah, sem avisar ninguém para onde estava indo. Durante uma descida, uma pedra se deslocou e prendeu seu braço, mantendo-o refém durante cinco dias no meio de um deserto. Lutando contra elementos da natureza e seus próprios demônios, Aron descobre que possui a coragem e a força para se libertar ao se lembrar de amigos, amores e da família e do verdadeiro valor da vida.

No aspecto técnico, a direção de Danny Boyle se mostra cada vez melhor: ao mesmo tempo em que realiza tomadas fortes e incômodas, ele traz momentos leves, levando o público da aflição à emoção, da comédia para o drama com muita maestria e classe e num curto período de tempo. Utilizando constantemente uma câmera de mão, que traz, ao mesmo tempo, dinamismo para algumas cenas e desconforto para outras, Boyle confere um ar documental ao filme, mostrando a (real) obsessão de Ralston em registrar o seu suplício.


James Franco constrói um protagonista humanizado e curioso: ao mesmo tempo em que ele parece ser uma pessoa solitária ficando apenas em contato com a natureza, ele se revela alguém que necessita do apoio da família e dos amigos. Levando praticamente o filme nas costas, Franco se revela um grande ator da sua geração, e demonstra grande capacidade pra filmes dramáticos.

POLÊMICA


“127 Horas” gerou grande polêmica com o momento em que o personagem amputa o próprio braço, já que muitas pessoas passaram mal durante a cena. Na verdade, a edição com cortes rápidos e a explicação dada pelo roteirista Simon Beaufoy em uma entrevista ao site Omelete comentam essa polêmica: "não é por ser sangrento. Você vê mais sangue em ‘Jogos Mortais’ ou ‘Halloween’, sempre. É por que é uma história de vida muito pessoal e intensa. A audiência assiste através dos olhos daquele cara, preso ali".

A edição do filme e a trilha sonora também são um show a parte: a abertura do filme é uma das melhores que vi em anos, e já indica o espírito do filme de celebração à vida (na verdade, o teaser trailer já demonstrava isso). Além disso, a montagem, com painéis em alguns momentos ou cortes rápidos em outros faz com que o público tenha uma experiência única com o filme. A trilha de A. R. Rahman (que venceu o Oscar pela trilha do Quem quer ser um milionário?) ajuda a entrar no clima também, com músicas que se encaixam perfeitamente em cada momento, como na seqüência final, genialmente combinada com a direção nervosa e a montagem final.

         

Uma última observação tem relação com alguns exageros cometidos por Danny Boyle: na tentativa de evocar o estado de espírito do protagonista, algumas seqüências repletas de planos curtíssimos, cortes rápidos e movimentos de câmera absurdos funcionam apenas para destruir o clima opressivo de sua prisão natural. Se ele utilizasse apenas o silêncio sufocante do canyon, Boyle certamente teria estabelecido um clima muito mais fiel à situação vivida por Ralston.

          

Mesmo assim, não há como deixar de admirar a força de viver de Aron Ralston e a mensagem que o diretor quer deixar ao público: não existe força mais poderosa do que viver. E isso, é fato.